Laura

"Más que Lorca"

He visto ya unas cuantas veces esta obra en esta misma sala. Pasa el tiempo, cambia el reparto, pero el montaje sigue teniendo la misma fuerza y emoción que el primer día. Y es que se juntan unos ingredientes que aseguran la efectividad: un texto único, una interpretación soberbia de las actrices y una dirección artística exquisita. Siempre que he ido, la sala está llena de público y eso es la mejor demostración de que el arte siempre atrapa.

"Atracción fatal... en la noche de san Juan."

Es un mano a mano sin tregua entre dos actores que desprenden una energía muy potente y transitan por un arco de emociones muy atractivo para el espectador. Ella va de la crueldad del principio a la desolada vulnerabilidad del final; él lucha para evitar ser arrastrado por el deseo y ese conflicto es fascinante. La lucha de clases e un magnífico señuelo también: ahí está la criada, con su orgullo clasista, que desprecia a su señora por haber trasgredido las barreras sociales porque "ella nunca se rebajaría a acostarse con un porquero". Y, por si fuera poco, la música en directo de la chelista te envuelve en diferentes atmósferas emocionales para que sigas disfrutando de todo lo bueno que se ofrece desde el escenario.

Negativo: La bailarina tentadora" exhibe unos pañuelos naranjas de tela de baratillo que choca visualmente el resto del vestuario.

"Desarraigo, nostalgia y... la Pelona."

Es una obra, dolorosamente hermosa porque nos habla del desarraigo que supone dejarlo todo atrás y empezar de nuevo en un lugar absolutamente desconocido. ¡Y cómo duele todo lo que se queda atrás! Y el texto se mezcla con canciones (biografía sentimental del protagonista) y con vídeos del paisaje perdido. El trabajo de César Ordaz es impresionante y transita entre emociones que encogen el alma.

Positivo: No conocía esta sala y tiene mucho encanto para acoger montajes de pequeño formato, pero de mucha calidad.

"Bajarse al moro, tan viva como siempre."

Conozco muy bien esta obra por haberla visto sobre las tablas en varias ocasiones y haberla analizado con mis estudiantes de Bachillerato en varios cursos. El texto de Alonso de Santos es incombustible y mantiene su vigencia, pues permite una lectura plenamente contemporánea de los hechos que cuenta. La interpretación de los actores es magnífica: desde J. Llorente, que interpreta al drogadicto con síndrome de abstinencia, a S. Vizán, la niña rica que juega a ser rebelde. Quizá A. Fernández (el policía) debería mostrarse menos atropellado y dosificar ese apresuramiento constante de su personaje. C. Bergón tal vez debería remarcar menos los gags porque las barbaridades que dice su personaje, Doña Antonia, expresadas con la mayor naturalidad, sin enfatizar, ya resultan efectivas por sí mismas sin necesidad de subrayarlas. Y los actores que encarnan a Chusa y a Jaimito están sublimes, no pierden un ápice de energía y están siempre enfocados en lo que necesitan y en estar con el otro. Me hubiera gustado ver a C. Karo menos apegada a la Chusa que todos tenemos en mente (V. Forqué) porque esta actriz demuestra una capacidad brutal para inocularse en vena el personaje y, por eso mismo, estoy convenciido de que una Chusa más personal obraría prodigios porque, aún así, realiza un trabajo portentoso. Y el plato fuerte del menú es, sin duda, Jaimito. He visto a muchos Jaimitos sobre las tablas y algunos de ellos muy buenos, pero el que encarna N. Stivell se lleva la palma (de oro, si yo pudiera otorgarla). ¡Qué manera de transitar entre emociones dispares! Aunque sólo fuera por el parlamento que mantiene con su hámster, ya merecería ver la función. ¡Qué manera de transmitir la zozobra y la congoja del enamoramiento frustrado! Hubiera batido palmas en ese instante, pero no quise interrumpir tan mágico momento. ¡Chapeau!

"«¡Oh, amor, amor!, ¿Quién te dio tanto poder?»"

Esta obra es una buena versión del clásico de Rojas y aborda, desde un prisma de mucho humor, sus diferentes temáticas: la fuerza del amor, los cambios de fortuna, la fugacidad del tiempo, la muerte… Y no es tarea fácil condensar en 90 minutos lo que, en principio, daría para siete horas de representación. Se goza escuchando un texto tan reconocible, tan rico en variedades de lenguaje y en imágenes. Quizá la escenografía no resulte muy adecuada. Bastaría con la caja negra del escenario y los distintos tipos de asiento, que en sí mismos son portadores de ambiente, para ubicar la historia. Creo que es un error recurrir constantemente a cortinas que se abren y se cierran para dejar ver unas simples telas de colorines que simbolizan cada espacio: azul, para Melibea; rojo, para Celestina; dorado y violeta, para Calisto. No es necesario y entorpece el ritmo de la acción. También sería deseable prescindir de las escenas con voces en off que, a mi juicio, lastran el resultado final. La oportuna ausencia de Alisa, madre de Melibea, ya la justifica la propia Celestina en su conversación posterior con Calisto. Y la intención de los padres de Melibea por casarla cuanto antes podría ser comunicada por Lucrecia sin necesidad de escuchar sus voces en off porque, si se ha prescindido del magnífico planto final de Pleberio, la supresión de sus intervenciones previas resulta todavía más justificable.

"LA EFECTIVIDAD DE LA SENCILLEZ"

Quienes hemos gozado ya, en esta misma sala, con "La Casa de Bernarda Alba", no podíamos prescindir de este otro Lorca, el de "Bodas de Sangre" y, como aquélla, tampoco ésta defrauda. Una escenografía simbólica, sencilla, pero muy eficaz; una interpretación sincera y sin artificio; una selección musical que cumple la función de crear la atmósfera más adecuada para cada momento; en resumen, una función que se disfruta de principio a fin.

"Relaciones de poder"

Las obra es un mano a mano muy potente entre los dos personajes protagonistas que intercambian sus roles de rey y de bufón. ¿Y quién es más bufón? La interpretación es magnífica, con una energía que no decae en ningún momento e instantes de silencio lleno de contenido.

"la historia también habla de nuestro presente"

La obra de Alfredo Cernuda es una concepción teatral perfecta, donde no falta ni sobra nada. No hay verborrea innecesaria, todo está perfectamente medido para que la acción avance, para que los personajes se transformen en los conflictos que afrontan (el soldado se hace en la batalla)... Y si esto fuera poco, los hechos históricos que plantea permiten una lectura absolutamente contemporánea porque, en realidad, son problemas que siempre han estado ahí y que cada generación ha intentado resolver a su manera, una forma que desoladoramente nos iguala porque no aprendemos casi nada de lo que aconteció a nuestro yo del pasado. Y llegamos a la prodigiosa interpretación de los cuatro actores. El reparto lo encabeza Pilar Civera, actriz que siempre hace brillar todo personaje que encarna porque le insufla humanidad por todos sus poros. ¡Y qué se puede decir de Manuel Galiana que no se haya dicho en tantos años de su dilatada carrera teatral? Galiana, con su peculiarísima voz, seduce desde el momento en que emite la primera palabra de su personaje. Y los jóvenes Marcos Pérez y Rita Liarte que saben sacarle el rendimiento merecido a unos personajes que son absolutamente deliciosos y cada uno de ellos, en su interacción con Leonor de Aquitania, podrían ser objeto de una obra completa, por la complejidad y hondura de sus personajes. Y todo ello, filtrado con el humor que rezuma el sarcasmo y la ironía, hace que el espectador siga la función apenas sin parpadear para no perderse detalle de lo que está pasando, de los silencios, de los cambios de tono... En fin, una maravilla.

Negativo: Una mayor coherencia en el vestuario. Se agradecería cierta armonía cromática en la indumentaria de los personajes. La calidad del tejido puede variar por la condición social diferente de los mismos, pero si los colores empleados estuvieran dentro de una misma gana, sería un elemento más a sumar a la cohesión del espectáculo.

"ARDUO DILEMA"

Pablo, el protagonista de la obra, se siente acuciado por un difícil dilema: cómo mantener su de seo de libertad e independencia, aún después de su matrimonio con Laura y su reciente paternidad. Esa disyuntiva se ve agravada por el sentido de la culpa que le acucia tras la infección contraída por su mujer tras dar a luz y para la que no parece haber una solución cercana. Todo ello da pie a una crítica demoledora del sistema sanitario, pero hecha desde el humor, que siempre resulta más corrosivo. Y esa combinación agridulce de drama y carcajada, que tan certeramente llevan a cabo los intérpretes de la obra, seduce al espectador durante los ochenta minutos que dura la función.

"Leonor, reina o madre."

Cuando comienza la trama, Leonor lleva siete años recluida y han ido cambiándola de castillo para impedir que tome confianza con sus guardianes, pero el equilibrio de la situación se desmorona por la presencia de un soldado que, por vez primera, se atreve a conversar con ella. La obra de Cernuda es un deleite y, sobre todo, modelo de cómo debe ser un texto teatral, donde nada falta y nada sobra: un texto exquisitamente bien escrito, una trama que seduce al espectador desde el primer momento, un conflicto de gran potencia y unos personajes tan ricos en su complejidad que resultan completamente humanos. A todo ello se une la extraordinaria interpretación de los cuatro actores, veteranía y juventud aliadas y remando como un solo cuerpo. El protagonismo recae en Pilar Civera (la Civera, como las grandes porque lo es), una actriz que vive sus personajes con brillantez y seduce al espectador que la observa. Inolvidables resultan su Poncia de "La Casa de Bernarda Alba" o de "Bernarda y Poncia", o la frívola Ada de "La Herida", así como sus breves pero memorables intervenciones en "Dis-Placeres" o "Terror y Miserias del III Reich", en esta misma sala. Orbitan a su alrededor la sabiduría y experiencia probada del maestro Galiana y la juventud solvente de quienes encarnan a Juan, hijo de Leonor, y a Alais, la amante de su esposo.

¿Si fueras el organizador o promotor del espectáculo que harías diferente?

Sería necesaria una mayor promoción para que esta joya no pase desapercibida en la cartelera madrileña.

Negativo: El texto original ha sido recortado, pero merecería retomar la versión íntegra porque realmente es una obra donde no hay una palabra que sobre, todo está medido y estudiado y el dramaturgo demuestra un dominio absoluto de la escritura y de los procedimientos teatrales que llevan al espectador a sentirse embriagado del mejor arte cuando concluye la representación.